Pecadores para uma Batalha Após a Outra: Os 25 melhores filmes de 2025
Warner/ UniversalOs críticos de cinema da BBC, Caryn James e Nicholas Barber, escolhem seus destaques cinematográficos do ano de um thriller de ação “rápido como um chicote” a um drama familiar emocionante e uma comédia calorosa.
Universal Pictures1. Hamnet
O filme profundamente comovente de Chloé Zhao sobre a morte do filho de Shakespeare traduz o romance de Maggie O’Farrell para as telas com toda sua eloquência e poder emocional intactos. Seria fácil cair no sentimentalismo ou no melodrama na história de como a morte do Hamnet, aos 11 anos, afetou seus pais enlutados. Mas o filme é, em vez disso, profundamente comovente, em grande parte graças à profundidade e honestidade de suas atuações. Jessie Buckley é ora feroz e comovente como a determinada e intuitiva Agnes, esposa de Shakespeare e verdadeira heroína do filme. E Paul Mescal traz uma humanidade rica e pé no chão para o próprio Shakespeare. Nos imergindo no mundo complexo do século XVI, o filme resume suas vidas desde o namoro por meio de uma performance comovente de Hamlet que, nesta ficção, traz Hamnet de volta à vida na forma de um dos heróis mais duradouros da literatura. Impressionantemente belo em suas imagens visuais e em seus temas de amor, arte, morte e luto, Hamnet é o filme mais comovente e encantador do ano. (CJ)
A242. Desculpa, querida
Esta irresistível comédia dramática independente foi escrita e dirigida por Eva Victor, que também interpreta o papel principal de Agnes. Vemos Agnes nos dias atuais, quando sua melhor amiga Lydia (Naomi Ackie) a visita na faculdade da Nova Inglaterra onde ela ensina, mas o filme também remonta ao período, alguns anos antes, quando ela e Lydia eram universitárias e Agnes foi sexualmente agredida por um de seus professores. Victor narra os dias antes e depois do ataque com franqueza direta e humor sarcástico e seco, de modo que um drama potencialmente sombrio se torna uma ode excêntrica e agridoce à resiliência e amizade feminina. A parte mais notável é que Desculpa, Bebê é o filme de estreia de Victor como roteirista e diretor, e ainda assim eles já estabeleceram um estilo e tom inconfundíveis próprios. (NB)
Imagens de Holofotes3. Is This Thing On?
Bradley Cooper has now directed three films concerning the performing arts: A Star is Born took on rock music, Maestro moved onto classical music, and Is This Thing On? dives into the world of small time stand-up comedy. It’s probably appropriate, then, that it’s the most casual, intimate and downright fun of the three. The film’s co-writer, Will Arnett, stars as a jaded finance executive who has drifted apart from his wife (Laura Dern). One night he reluctantly gets on stage in a New York comedy club, just to avoid paying the cover charge. But, to his surprise, he finds that stand-up allows him to open up about his problems, as well as reminding him that there can be more to middle age than parenting and a nine-to-five job. Based on the experiences of John Bishop, a British comedian from Liverpool (hence Arnett sometimes wears a Liverpool football top), this warm-hearted comedy drama shows how difficult marriage can be while suggesting that it might be worth the trouble. (NB)
Warner Bros Pictures4. One Battle After Another
O original audacioso de Paul Thomas Anderson tem o ritmo e o humor de uma comédia excática, ao mesmo tempo em que apresenta um drama familiar comovente e uma trama mortalmente séria sobre governos autoritários e conspirações racistas. Milagrosamente, ele faz tudo parecer fácil, sem um único momento de atraso. O filme é impulsionado por seu elenco estrelado. Leonardo DiCaprio está em seu melhor momento cômico como o ex-radical desorganizado Bob Ferguson, com Benicio del Toro, Sean Penn e Teyana Taylor em papéis coadjuvantes vívidos. Com peso intelectual, Anderson canaliza os temas sociais e políticos do romance Vineland, de Thomas Pynchon, que inspirou o filme. E DiCaprio e Chase Infiniti, como sua filha, adicionam um calor emocional que nem sempre está associado a Anderson. Ah, e também há cenas de ação rápidas e envolventes, com perseguições de carro e tiroteios. Os previsores do Oscar se apegaram à ideia de que este é o ano de Anderson porque ele já está atrasado, mas One Battle After Another é simplesmente um dos melhores do ano, tirando tudo isso. Com uma ambição impressionante, essa mistura deslumbrante de arte e entretenimento faz tudo. (CJ)
Festival Internacional de Cinema de Veneza5. Sem Outra Escolha
A farsa satírica de Park Chan-wook, baseada em um romance de Donald Westlake, é mais um triunfo sangrento do diretor coreano de Oldboy e The Handmaiden. Lee Byung-hun estrela como um gerente de fábrica de papel de longa data, perfeitamente satisfeito com sua carreira, sua esposa, seus filhos e a vida em geral. Mas o orgulho vem antes de várias quedas. Ele mal consegue acreditar quando, de repente, é demitido. E ele fica ainda mais surpreso quando nenhuma outra empresa o contrata. Com a casa da família em risco e o futuro dos filhos em jogo, ele decide se tornar um Sr. Ripley não tão talentoso e começa a assassinar os candidatos rivais ao emprego que deseja. No Other Choice é uma comédia negra absurda que explode com reviravoltas imaginativas, personagens excêntricos e ideias malucas. Mas Park se importa profundamente com seu desastrado anti-herói, e faz perguntas muito relevantes sobre os efeitos de cortes drásticos de empregos e inteligência artificial. (NB)
Festival de Cannes6. O Agente Secreto
Este drama empolgante faz cada clichê do thriller político parecer fresco, como o diretor e roteirista Kleber Mendonça Filho ilustra habilmente a forma insidiosa como o poder corrupto do governo no topo acaba prejudicando a vida das pessoas comuns. O tom único do filme é estabelecido no início, quando um texto na tela nos situa no Brasil em 1977, descrito como “um tempo de grande traquinice” – uma forma decididamente discreta de descrever o país sob uma ditadura. Wagner Moura é dinâmico e traz todo seu carisma para o papel de Marcelo, um professor apolítico que enfrenta um oligarca ligado ao governo e se vê alvo de assassinato. O filme mistura gêneros e influências com facilidade, nos oferecendo uma celebração de carnaval, uma rede de resistência clandestina, uma relação comovente entre Marcelo e seu filho pequeno e assassinos envolvidos em um sangrento tiroteio. Há até um tema meta sobre filmes, incluindo uma pequena paródia de terror sobre uma perna peluda e decepada que pode pular e matar. Combinando esses elementos improváveis em um filme intenso, cheio de suspense e cativante, Mendonça Filho consolida sua reputação como um dos melhores diretores atuando atualmente. (CJ)
Festival de Cinema de Veneza7. A Voz de Hind Rajab
Em termos de impacto puro e arrebatador, nada mais nos cinemas deste ano se compara a The Voice of Hind Rajab. Escrito e dirigido pelo tunisiano Kaouther Ben Hania, o filme recria um incidente comovente de janeiro de 2024: uma menina palestina de cinco anos ficou presa nos destroços de um carro em Gaza, ela estava apavorada com a possibilidade de um tanque israelense abrir fogo e, em suas últimas horas antes de ser morta, falou ao telefone com alguns voluntários em um escritório da Sociedade do Crescente Vermelho da Palestina. No filme, os atores interpretam os voluntários, que tentam desesperadamente conseguir uma ambulância para resgatá-la, mas a voz do outro lado da linha é uma gravação da própria Hind Rajab. O efeito dessa mistura devastadora de documentário e drama é que um thriller tenso com relógio se torna um retrato duro, quase insuportável, da brutalidade da guerra. Os dois últimos filmes de Ben Hania, Quatro Filhas e O Homem que Vendeu Sua Pele, foram indicados ao Oscar. A Voz de Hind Rajab deveria chegar a três seguidas. (NB)
TIFF8. Valor Sentimental
Apesar do título, a grande força deste eloquente drama familiar está em seu tom sincero, porém poucosentimental, ao explorar a complexa dinâmica entre um pai que é um brilhante diretor de cinema e as duas filhas adultas com quem ele tenta, bastante tardiamente, criar um vínculo emocional. Stellan Skarsgård oferece talvez a melhor atuação de sua longa e variada carreira como o pai, Gustav Borg, retratando-o como um artista descaradamente egocêntrico que, no entanto, tem amor e preocupação genuínos por suas filhas. O roteirista e diretor Joachim Trier provoca atuações igualmente realistas e sutis de Renate Reinsve como sua filha ansiosa e desconfiada, atriz, e de Inga Ibsdotter Lilleaas como a filha mais nova, que protege seu filho e irmã pequenos. Elle Fanning, como uma atriz que Borg escolhe para seu filme, ajuda com fluidez a transmitir o tema de como a arte se cruza e complica a vida. Sentimental Value começa com um olhar para a casa da família Borg em Oslo, um emblema perfeito de como este filme sedutor faz os espectadores sentirem que entraram em um lar e testemunharam esses relacionamentos de pai e filha e irmãos em toda sua cautela e desejo de amor. (CJ)
Festival de Cannes9. Foi só um acidente
Jafar Panahi agora é obrigado a fazer seus filmes em segredo, pois foi proibido de dirigir pelas autoridades iranianas – tendo cumprido duas penas anteriores de prisão, acaba de receber mais um ano de prisão e uma proibição de viagem. Não é surpresa, dadas as circunstâncias, que seu trabalho mais recente, Foi Apenas um Acidente, seja tão ferozmente crítico do regime. O que surpreende é que tem tanta humanidade, otimismo e humor desleixado. Vahid Mobasseri interpreta Vahid, um mecânico que ouve uma conversa e reconhece a voz do guarda que o torturou quando ele era prisioneiro político. Ele decide sequestrar seu algoz, mas há um pequeno problema: Vahid estava vendado na prisão, então ele não pode ter certeza absoluta de que tem o homem certo. A única solução que consegue pensar é dirigir por Teerã, pedindo conselhos aos seus companheiros ex-prisioneiros. A engenhosa comédia de erros de Panahi foi uma merecida vencedora da Palma de Ouro, o prêmio principal do Festival de Cannes deste ano. (NB)
A2410. Marty Supreme
Timothée Chalamet pega o herói mais improvável – um jovem egoísta que se abre caminho pela vida com enganos e sonha em se tornar, de todas as coisas, um campeão de pingue-pongue – e o torna infinitamente fascinante na peça de época texturizada de Josh Safdie, ambientada no Lower East Side de Nova York nos anos 1950. Chalamet define de forma incisiva o animado e magro Marty Mauser como um cara tão determinado a progredir que nem reconhece o quão implacável ele é. A atuação resiste inteligentemente à tendência de nos pedir para amar o personagem; entendê-lo é suficiente. Ao longo das aventuras cômicas de Marty pelo mundo, ao cruzar o caminho de uma ex-estrela de cinema (Gwyneth Paltrow, impecável no papel), um criminoso e o marido de sua namorada, entre outros, a interpretação de Chalamet combina perfeitamente com o humor seco, às vezes absurdo, e a energia cinética do filme. Um estudo de personagem animado disfarçado de filme esportivo, Marty Supreme é tão animado e divertido de assistir que é irresistível mesmo quando seu herói falho não é. (CJ)
Netflix11. Acorde o Homem Morto
O terceiro dos mistérios de Knives Out, de Rian Johnson, é pelo menos tão divertido quanto os outros dois. Como de costume, vemos Benoit Blanc, interpretado por Daniel Craig, inteligentemente vestido, resolvendo quebra-cabeças de quebrar a mente e enganando vilões nefastos. E, por trás de todas as peripécias, podemos assistir a setores superprivilegiados da sociedade americana sendo satirizados forensemente. Em Knives Out, eram as crianças mimadas dos ricos que eram colocadas sob a lupa de Johnson; em Glass Onion, eram os hipsters tech bros e influenciadores vazios; e em Wake Up Dead Man, são líderes religiosos apocalípticos e os políticos que os exploram. Em um bonito contraste com o extravagante e racionalista Blanc, Josh O’Connor interpreta um jovem padre sério que entra em conflito com o pregador de fogo e enxofre interpretado por Josh Brolin. (NB)
MUBI12. Pai, Mãe, Irmã, Irmão
A carreira de Jim Jarmusch está repleta de filmes reflexivos e lindamente elaborados, que às vezes são subestimados porque parecem tão descontraídos, então foi um reconhecimento há muito esperado quando seu mais recente ganhou o Leão de Ouro, o prêmio principal, no Festival de Cinema de Veneza deste ano. Esse trio de histórias separadas, cada uma ambientada em uma cidade diferente, cada uma com um elenco de arrebatamento diferente, é novamente mais complexa, ambiciosa e profunda do que pode parecer. Cada segmento tem seu próprio tom, mas compartilham o tema de crianças adultas e pais que se entendem mal ou não se conhecem, quando tentam entender. Os segmentos ganham mais seriedade. Há uma comédia mordaz quando Adam Driver e Mayim Bialik, como irmãos distantes, visitam o pai (Tom Waits) em Nova Jersey. Cate Blanchett e Vicky Krieps são irmãs tomando chá com a mãe (Charlotte Rampling) em Dublin, em um drama realista de conexões frias e perdidas. E há uma sensação elegíaca e um senso de história no segmento de Paris, com Indya Moore e Luka Sabbat como filhos de expatriados americanos. Com seu estilo tipicamente fluido e mais pungente do que nunca, Jarmusch fala mais sobre a família em cada seção relativamente breve do que a maioria dos cineastas consegue em horas. (CJ)
Warner Bros13. Armas
Armas começa às 02:17, numa noite em um subúrbio sem nome, quando 17 crianças da mesma turma do ensino fundamental saem de suas camas, deixam suas casas e correm para a escuridão. A partir daí, os moradores angustiados precisam lidar com a questão do que aconteceu e por quê. A solução para o mistério sobrenatural acaba sendo simples, mas Zach Cregger, roteirista e diretor de Barbarian (2022), segue um caminho incomumente indireto para seu final de cair o queixo, mostrando os eventos como são vividos por vários personagens em sequência: a professora amarga das crianças (Julia Garner), o diretor apressado (Benedict Wong), um pai irritado (Josh Brolin), um policial problemático (Alden Ehrenreich), e mais. Ao longo do caminho, Cregger demonstra seu domínio magistral de inúmeros elementos de terror, desde silêncios de nervos até gore de tirar o chão de ofegar, do surrealismo assustador ao humor surpreendente. Mas é o mosaico brilhante da vida americana comum que torna Armas única. Influenciado por Magnolia, de Paul Thomas Anderson, e pela adaptação de Raymond Carver, Cortes Atalhos, de Robert Altman, parece um tipo totalmente novo de filme de terror. (NB)
A2414. Os 2 mais baixos
Este thriller eletrizante e reflexivo foi inspirado em High and Low, de Akira Kurosawa, de 1963, mas é puro Spike Lee, o que é um grande elogio. Denzel Washington interpreta um magnata da indústria musical, David King, cujo filho adolescente é mantido como refém, embora se descubra que o sequestrador tenha levado por engano o filho do assistente de King (Jeffrey Wright). Será que o King, com pouco dinheiro, pagará pelo filho de outra pessoa? Esse dilema moral é moldado pelos clichês habituais de Lee, misturados em um filme suave. Há sua consciência profundamente enraizada de raça e classe como questões sociais omnipresentes. Há visuais brilhantes, incluindo a luxuosa cobertura de King no Brooklyn, repleta de obras de artistas negros. Há músicas vibrantes que vão do rap à salsa e até uma trilha sonora orquestral completa. E enquanto King enfrenta o sequestrador, há uma perseguição eletrizante pelo metrô de Nova York durante a movimentada celebração do Dia de Porto Rico. Washington está em seu melhor momento (sem cenários envolvidos aqui) e A$AP Rocky entrega uma atuação esculpida em um papel coadjuvante. Há algumas falas didáticas, mas isso faz parte do território de um filme do Spike Lee. Envolvente e virtuoso, Highest 2 Lowest não poderia ter vindo de mais ninguém. (CJ)
A2415. Traga ela de volta
Danny e Michael Philippou fizeram uma mudança impressionante de YouTubers para diretores de longa-metragem com seu fantasmagórico Talk to Me em 2022 – e a sequência dos irmãos gêmeos australianos é ainda melhor. Traga Ela de Volta é a história meticulosamente construída e atmosférica de um irmão e uma irmã órfãos, interpretados por Billy Barratt e Sora Wong, que são enviados para morar com uma mãe adotiva acolhedora – talvez acolhedora demais – interpretada por Sally Hawkins. O segredo é que os Philippous levem o horror e o drama do filme igualmente a sério. Em vez de recorrer a sustos baratos ou reviravoltas forçadas, eles contam uma história emocional poderosa sobre pessoas tridimensionais em um cenário de vida crível; Acontece que essa história em particular envolve possessão demoníaca e zumbis devoradores de carne. É envolvente, intensamente visceral e distinto o suficiente para estabelecer os irmãos como dois dos melhores cineastas de terror da atualidade. E se os votantes do Oscar prestassem mais atenção ao gênero, Hawkins seria uma candidata ao prêmio de melhor atriz. (NB)
A2416. Materialistas
Jane Austen sabia que dinheiro e casamento estão para sempre entrelaçados, e Celine Song levou essa ideia com muita ironia, para o século XXI nesta encantadora quase comédia romântica. Materialistas podem parecer uma comédia romântica tradicional, mas rompem com qualquer noção típica do gênero e oferecem uma visão clara dos relacionamentos em nosso mundo material. Song tem um jeito de evocar atuações leves em seu elenco brilhante, com Dakota Johnson como Lucy, uma casamenteira profissional escolhendo entre dois homens em sua própria vida. Vamos encarar, não há escolha ruim aqui. Chris Evans é o ex que ainda a ama, mas só pode oferecer a vida de um ator em dificuldades – e Lucy não quer ser pobre. Pedro Pascal é o bilionário que realmente a escuta. Pascal é, como sempre, uma mistura perfeita de charme e sinceridade. Ainda assim, apesar da visão prática e sem julgamentos de Song sobre como o dinheiro entra nos relacionamentos, ela nunca é cínica em relação ao amor em si. Após o primeiro filme de Song, Vidas Passadas, é mais uma joia de um dos cineastas mais originais e sutis da atualidade. (CJ)
Características de Foco17. A Balada da Ilha Wallis
Esta deliciosa comédia britânica é estrelada por seus dois roteiristas, Tom Basden e Tim Key, ao lado de um brilhante Carey Mulligan. Key interpreta Charles, um vencedor de loteria alegremente excêntrico que paga sua dupla folk favorita, Herb McGwyer (Basden) e (Mulligan), para fazer um show ao vivo na pequena ilha onde mora. O problema é que a dupla terminou anos atrás, tanto profissional quanto pessoalmente, e Charles não contou a nenhum dos dois que o outro também estará na ilha. Dirigida com sensibilidade por James Griffiths, The Ballad of Wallis Island é um triunfo. É generoso, sincero e pitoresco, cheio de personagens com quem você se importa, mas também é consistentemente engraçado do começo ao fim. Os diálogos de Charles, em particular, são tão repletos de trocadilhos propositalmente ruins e bordões que você pode querer reassistir o filme assim que terminar para pegar as piadas que perdeu da primeira vez. (NB)
Sundance Festival18. Lurker
Of the many films that have dealt with fame in the age of social media, with its seemingly close but illusory bond between fan and celebrity, few have been as accomplished or up-to-the-minute as this piercing psychological thriller. In his first film, writer and director Alex Russell (a writer and producer on The Bear and Beef) expertly controls the story’s trajectory as its central character crosses the line from superfandom to a toxic parasocial relationship. Matthew (Théodore Pellerin) is working as a shop assistant when pop music star Oliver (a charismatic Archie Madekwe) walks in. The enthusiastic Matthew is taken into Oliver’s entourage, but although the film gives us his point of view, that doesn’t make him a hero. As an audience we squirm at the way he lets himself be ridiculed and treated as a mascot. And when Oliver freezes him out, Matthew goes over the edge. Where most films about fandom head straight into horror, this savvy, chilling portrait is more effective because it only eventually arrives at stalkery suspense. Along the way it exposes the all-too-common roots of delusions about fame. (CJ)
Warner Bros Pictures19. Companion
The sharpest American indie film of the year so far, Companion stars Jack Quaid and Sophie Thatcher as a devoted young couple who go to stay with some friends in a Russian tycoon’s remote forest getaway. (Rupert Friend has a hilarious cameo as the mulleted oligarch.) As a drunken evening of confessions, suspicions and disagreements unfolds, it seems at first if the film might be a romantic comedy, or maybe a noirish thriller about a robbery gone wrong. In fact, Companion is a science-fiction comedy thriller – but beyond that, the less you know about the film in advance, the more enjoyable its many ingenious twists and turns will be. Suffice it to say that the big-screen debut of writer-director Drew Hancock is a sparklingly entertaining satire on modern technology and the never-more-relevant topic of how entitled and misogynistic certain insecure young men can be. And it packs all of its ideas into 97 minutes. (NB)
Warner Bros Pictures20. Sinners
As stunning as Ryan Coogler’s Black Panther was, he has outdone himself with Sinners. Michael B Jordan is slyly convincing as twins named Smoke and Stack, who return from Chicago to their home town in Mississippi, in the Jim Crow South in 1932, to open a juke joint. With huge ambition and imagination, Coogler swirls familiar genres and tropes into a wholly original film that blurs the real and the supernatural. Sinners is a period piece as well as a vampire film. It is a drama about racism, family, superstition and spirituality, and it comes with passionate sex and exhilarating blues music. Coogler directs with brio, at times creating a phantasmagoria in which robed African musicians appear next to rappers. The first hour is so full of texture it could stand alone as a period film, but the supernatural eventually intrudes, leading to a finale of action, blood and vengeance. Jordan is surrounded by a superb supporting cast, including Delroy Lindo, Wunmi Musaku and Hailee Steinfeld. Sex, blues and vampires at the door? What more can anyone want from a film? (CJ)
Cozy Cottage Films, LLC21. Art for Everybody
Miranda Yousef’s riveting documentary tells the stranger-than-fiction story of Thomas Kinkade, one of the biggest-selling artists in history. Critics dismissed his work as nauseatingly sickly, but in the 1990s and 2000s, there were shops all around the US devoted to Kinkade’s sentimental pictures of cosy country cottages. Art for Everybody asks fascinating questions about who gets to decide what counts as legitimate art, and whether some paintings can be more moral than others – questions that resonate today, in light of the continuing culture wars in the US . But Yousef’s delicately balanced and sensitive film is just as fascinating on personal issues as it is on sociopolitical ones. A key part of Kinkade’s marketing was his carefully constructed public image as a devoutly Christian, all-American family man, and yet the so-called “Painter of Light” had a dark side, too. Did the pressures of being a squeaky-clean Dr Jekyll push him into becoming a self-destructive Mr Hyde? (NB)
A2422. Warfare
Alex Garland, the writer and director of Civil War, and Ray Mendoza, a veteran who was that film’s military advisor, have created a harrowing, visceral, real-time drama that recreates an actual battle between Navy Seals and al-Qaeda jihadists. Garland’s virtuoso technique and Mendoza’s first-hand experience of war blend in a film of uncompromising focus, which plunges us into the intensity of combat without explanation or backstory. Yet the faces of Joseph Quinn, Will Poulter, Cosmo Jarvis and D’Pharaoh Woon-A-Tai are enough to capture the fear and determination of being under siege. Creating characters far from the bravado of typical Hollywood war films, the actors depict courage in battle as a terror-filled endurance test. The film immerses us in that feeling. It is loud and intense, relentless in its barrage of grenades and gunfire, and when the cries of pain from the injured men start, they never stop. Warfare is a dazzling technical achievement but much more. Focusing on the personal cost of combat and violence itself rather than the politics of the Iraq conflict, it reinvents the war film with bracing freshness and immediacy. (CJ)
Agat Films23. Holy Cow
Deep in the leafy French countryside, a scruffy teenage layabout Totone (Clément Faveau) has to look after his younger sister Claire (Luna Garret) after the sudden death of their father. His answer to their dire financial problems? Making award-winning luxury cheese. Louise Courvoisier’s debut film is a heart-tugging coming-of-age drama, rooted in the soil of the Jura region where she grew up. She offers an earthy insider’s view of how strenuous life can be for agricultural workers, and how wrenching it is when carefree youth turns to relentless, responsible adulthood. But she also fashions a warm, romantic, gorgeously scenic and ultimately hopeful tale of underdogs working together in the sunshine to improve their lives. Blessed are the cheesemakers, as Monty Python once put it. (NB)
BBC/ Aardman Animations24. Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl
Aardman’s two greatest heroes are back – and so is their sneakiest ever adversary, a diabolical penguin named Feathers McGraw. Directed by Nick Park and Merlin Crossingham, the Oscar-nominated Vengeance Most Fowl is chock-full of the qualities that make Wallace & Gromit’s farcical adventures so cherished: the painstaking stop-motion claymation, the Heath Robinson-style gadgetry, the winking homages to classic cinema, the gleefully silly British humour, and the deep affection for the characters and their world. Above all, it a treat to see Feathers McGraw, more than 30 years after he was introduced in The Wrong Trousers. But there is more to the Bristol-based studio’s new film than the nostalgic whimsy you would expect. When Wallace invents a robotic garden gnome that does all of Gromit’s favourite gardening jobs (and that’s even before it turns evil), the story takes a canalboat trip into Mission: Impossible territory by addressing fears about artificial intelligence. (NB)
A2425. Tornando-se uma galinha-da-angola
O imensamente talentoso diretor Rungano Nyoni, cujo filme Eu Não Sou uma Bruxa (2017) ganhou um Bafta de estreia britânica excepcional, faz filmes artísticos e acessíveis de grande charme visual. Seu mais recente filme é um drama lúcido sobre conflito cultural e geracional. A heroína, Shula, é uma mulher cosmopolita que retornou recentemente da cidade para sua vila na Zâmbia. Nyoni transmite essa dissonância imediatamente, enquanto Shula dirige para casa de uma festa à fantasia vestida com um capacete prateado brilhante e óculos escuros (uma homenagem a um vídeo de Missy Elliott) e encontra seu tio Fred morto em uma estrada de terra. À medida que a história nos leva aos rituais funerários tradicionais da família, ela revela lentamente que Shula e dois primos foram abusados por Fred quando crianças, uma realidade que suas mães deixaram de lado enquanto lamentam o irmão. O estilo de Nyoni é realista mesmo quando ela insere imagens surreais. A narrativa sobre segredo e o trauma da agressão sexual ganha força até o fim, quando Shula relembra um programa infantil de televisão e o título deste filme impressionante finalmente faz sentido. (CJ)
Os números deste texto não representam rankings, mas têm a intenção de deixar as entradas separadas o mais claras possível.
Fonte: BBC
